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LIVINGMAPS REVIEW No 7 (2019) Reflections on four maps by visual artist Rebecca Agnes, text by Anita Burchardt. ISSN: 2398-0338

About the Author: Anita Burchardt is a white queer activist who lives in Berlin. Anita currently works in the Youth Organization Amaro Drom, which campaigns against anti-Romani racism and for political participation of Romani Communities in Germany. Anita was born in 1979 in East Berlin. After finishing High School s*he completed a professional training as a veterinary assistant. Afterwards s*he studied and graduated in Philosophy and Gender Studies at Humboldt-University Berlin. S*he has a German passport. The artist Rebecca Agnes has been Anita's partner for more than 12 years.


Since I went to school I was fascinated by maps and I remember well the particular smell of the geography class room with its many maps. They were fixed on the ceiling to be slid to the front of the class when needed - like layers of the world. When I looked at Rebecca's work "Map" for the first time it took me a moment to realize its difference to conventional representations of the physical world. I then saw what was missing and understood the idea behind it. Rebecca's "Map" is a very effective way to visualize how our knowledge and world view is shaped by who we are and where we come from.

We get to know places of the world by traveling there physically or mentally through literature or through other cultural, political or scientific discourses. This reflection of the importance of positioning is something I appreciate deeply about Rebecca's work, because I find its implications politically relevant. Especially if we look at what is missing on "Map". She illustrates what shaped her thinking, and maybe more importantly: what is ignored and unknown to her. It thereby reflects the structures and dynamics of power that fundamentally define our way to be in this world: Where can we (not) go and what do we (not) know. To make one specific example: The map illustrates how colonialism shaped Rebecca's world view as a Western European Citizen. How its effects allow her to access many parts of the world and how it inclines her to be ignorant towards many others.

To point out privileges and limitations that influence one's perspective and actions is an enterprise that remains relevant in a political climate that increasingly threatens those who lack discursive power.

All the books that I do not know

What is ignored, unknown and thus unrepresented brings me to another map of Rebecca, in which she highlights a gap: "All the books that I do not know". This map shows the outlines of the world filled with the names of authors whose novels she has read. The titles of their books are embroidered on the space between continents, an ocean of fiction. With this work Rebecca focusses on cultural productions that shaped her thinking. She shares a very personal inner map with us. And once again she emphasizes what is missing. Besides the geographical gaps in the list of writers she has read, she visualized the ascribed gender of the authors. Authors who are perceived as women are written bold, as if to underline their presence and importance.

I remember Rebecca and me talking about the invisibility of female and non-binary writers and how we realized we've read mostly novels written by (white) men, who we called our favorite writers. Inspired by a friend, who once told me they stopped reading books of male writers, because they never felt addressed or present in their novels, I began to buy almost exclusively novels of female and non-binary writers. Since then my list of favorite writers has become much more diverse, not only regarding gender. With every novel I read my world becomes more complex. I have the feeling that among all the books, that I do not know, there are a lot less that I regret not knowing.

Rebecca's works let us realize that maps in general, also those labeled as scientific or conventional, are a limited representation of the world, or rather a specific construction of it. Historically maps have been important tools of constituting power during wars and colonization. By personalizing her maps and limiting them to places she has visited or places she has imagined based on her cultural influences, Rebecca emphasizes this fact and she challenges every viewer to reflect on his*her own limitations and influences.


As a person who is always looking for the political relevance of an artwork I appreciate "Conflicts" on many levels. First because I believe that it creates a space of representational justice. "Conflicts" portrays every war and conflict in the whole world, that matched certain criteria and took place during a specific period of time. All those conflicts are visualized equally on the map that is a round tablecloth. People like me, who are not living in a place of war or military conflict, usually take note of those events through media. My perception of violence in the world is based on a preselection of media producers. The representation of war and conflict is hierarchized. Geopolitical interests and power structures, such as racism and antisemitism, define what I know and what I do not know about injustices in the world. Certain conflicts, as for instance the events in the Middle East, are dominantly discussed and fought about. Others are completely ignored in Western societies. Although these societies are deeply involved in those conflicts - historically and politically. Their victims don't seem to count and the responsibilities don't seem to exist. Nowadays social media allows for more independent visibility, but it also creates a distortion through filter bubbles and fake news. With "Conflicts" these representational hierarchies are momentarily suspended. Standing in front of it I also immediately realize: I live on a planet of war and I am extremely privileged by living in peace. The beauty of the work lets this recognition sting even more. By using a round tablecloth Rebecca implies the hope for change through dialogue. But who is going to sit at this table?

"Conflicts" also reminds me of an important part of the work of human rights organizations: Monitoring and documenting violence and injustice. This documentation of facts is not only aimed at creating awareness. It is a tool for generating the necessary political pressure to receive funding and to bring about political change towards peace and equality. Facts do still count today, but they have to be presented to those in power and to be acknowledged.


Like "Conflicts", "Scars" is a political map of the world. Red lines mark the borders between nation states. The name of each state is embroidered in the official language(s) of the country and in English. If there is one, the name is followed by the state motto. In my eyes "Scars" shows the world from a very unusual perspective, because it is depicted vertically. Looking at it confused me. I found it hard to find orientation. This irritation emphasizes what I believe "Scars" speaks about: How nation-building has always been a process of construction and of violence.

By listing the mottos of all contemporary nation states the work points to nation-building as relying on the construction of a collective identity. I was not aware that most nations have mottos. Reading and comparing them I was surprised how repetitive and similar most of them are. Many consist of a trilogy of words, the dominant among them are "Unity", "God/Faith/Religion" and "Freedom/Liberty/Free". It becomes apparent that the unity of a nation seems to be something that needs to be conjured up, rather than being taken for granted. The attempt to create a national identity broken down to a few words underlines the artificiality of the enterprise. To enable people to identify as belonging to a nation needs discursive work. It also is a challenge, given that its citizens might not share much more than living within the state's borders. The repetition of the ideas the mottos announce also creates a sense of emptiness. Whose "Freedom" is meant and whose freedom is excluded the mottos don't tell and thus those words lose their meaning.

In its drastic colors and shape "Scars" implies nation-building as what it historically usually was: an arbitrary exercise of power and violent exclusion of a constructed "Other". The vertical perspective of the map visualizes a distortion, that I read as an analogy for the impact these borders have on people's lives. The title "Scars" underlines the violent exclusion that goes along with the process of nation-building and how the red lines between them have caused and continue to cause conflict, war and injustice.

Borders between many of the nations that exist today are lines that were drawn by powerful men sitting at tables in Europe, dividing whole continents. They drew those lines based on the maps the first colonizers had brought home from their travels. As we all know, borders of nation-states are not only "Scars" in that historical meaning. Especially in Europe and on the escape routes that lead here, they are open wounds. Every day people are dying while trying to cross those lines. They are killed by an unquestioned racism acted out by those who refuse to open their borders, and who insist that what they protect is more important than the lives of humans. They are also killed by everyone who chooses to support those decisions or to remain silent.

Borders are "Scars" in the very meaning of the word, cutting through the lives and bodies of those who seek to overcome them. The strength of Rebecca's work is to make us aware of it. There is no justification for these deaths and for the injustices of a world in which a piece of paper defines your value as a human being - and yet these red lines continue to exist, scarring the humanity of all of us.

My thinking about politics and power structures, and thus also the thoughts on Rebecca's works, have been inspired by many theorists and activists over the years. I want to name at least a few of them: Audre Lorde, bell hooks, Chandra Talpade Mohanty, Combahee River Collective, Gayatri Chakravorty Spivak, Grada Kilomba, Isidora Randjelović, Jin Haritaworn, Judith Butler, Lann Hornscheidt, Michel Foucault, Nira Yuval-Davis, Patricia Hill Collins, Sara Ahmed, Stuart Hall, and Yasir Suleiman. I also want to name some of the organizations and initiatives in Germany that fight for the human right to cross borders safely and for the human right to choose where to live: The VOICE, International Women* Space, Karawane für die Rechte der Flüchtlinge und MigrantInnen, alle bleiben, IniRromnja, Pro Asyl, Seebrücke, Flüchtlingsrat and Sea Watch.

CAPTIONS see the works here and here
Rebecca Agnes - MAP, Digital print on paper. 130 x 320 cm, 2002.
Rebecca Agnes - ALL THE BOOKS THAT I DO NOT KNOW, Handmade embroidery on fabric, circa 237 x 147 cm, 2018.
Rebecca Agnes - CONFLICTS, printed tablecloth with faux-embroidery, hand embroidered on cotton, diameter circa 149 cm, 2017.
Rebecca Agnes - SCARS, handmade embroidery on fabric, 145 x 210 cm, 2017.


How did you first decide that art was your path in life ?
I can not recollect the moment when I decided to become an artist. Actually I don’t think that it has been a conscious decision after all. Probably the fact that I work as artist now has a lot to do with my family background. I grew up in a house full of books (about art, architecture, novels). And my parents often took me to museums, and art exhibitions. As a child I loved drawing and thanks to my parents I could attend art school and afterwards the academy of art. During my studies at the academy I realized that art is not only about drawing or technique, but also, and fundamentally, about ideas used as a parallel language that serves to raise questions and to find ways to decipher or approach the time we are living in.

What's your main interest as an artist ?
I understand art as a language to some extend. A language that uses not words but images, a different way to think about the real and to question it. I collect peoples’ stories, trying to open up my perspective through the views and experiences of other people. I’m interested in narration, the meaning of it and the position of the storyteller. Who is telling a story no matter of what kind (history, science, literature and so on) has responsibilities, through the telling a (new) reality is shaped, filtered by her/his own position and context, with no possibilities of objectivity. Another point of interest in my work is the relation with places. Places are meaningless without the people who inhabit them. There are places that are real and that can be visited, and others that do not exist anymore because they were demolished or abandoned. I’m interested in trying to understand which are the places that remain, and which don’t, and why some of those that have disappeared are still present in (our) memory. Who is deciding the value of a specific place? Which are the reasons behind preserving some places and others not? Is it just mere coincidence? How does the use of a place change its function over time? Other places exist only in imagination. The surface of the moon or the surfaces of the planets of the solar system are shaped more by the imagery that are spinning around them, than by scientific observation. 

Where do you get the ideas for your work ?
From things that I like or things that I dislike, mostly related with my experiences and biography.

What would you most like to make that you haven't so far ?
In 2010 I started collecting different words that define a person as gay/lesbian. I collected words of languages that I have a connection with: Italian (my mothertongue), German, English, Spanish. Then I drafted a list with a selected but representative number of words for each language. The list is the “script” for a series of videos. Until now two videos have been realized, the Italian version, and the German one. I would like to realize the other 2 videos and develop further the project.

What do you think is the social role of art ?
If you exclude specific projects that are dealing directly with the social sphere, or better projects that aim to connect with people in specific contexts (for example open workshops), I think that the social role of art is somehow absent. I do not mean that artists are not interested to “act” socially (there are many that work/think in that direction), I just see a strong separation between art “spaces” and other “spaces”, a difficulty to connect with a wider public. A common critique is that art is too cryptic, and that is partially true, but at the other hand most of the people are simply not used to see art, they are unfamiliar with it. When you hear a new song it can happen that at first you do not like it, but then, if you listen it again, you can discover that you actually like it, same goes for art. There are also differences between societies in dealing with the very idea of art and the artist. When a society sees art as a positive thing, supports it, and creates an “official” space for it, the artist has visibility and recognition, he/she has a role in the community, but that can lead to instrumentalization for other purposes as well. Another consideration, an artist can not have a social role remaining inside his/her own studio, or showing his/her works only in galleries, but then, where to go? How to find/create a space where art is not only an intellectual exercise, but a creative force? To answer the original question, I think that the role of art should be to reflect on the real, and dismantle the mainstream discourse through alternative, unheard or silenced voices.

What place does creativity have in education ?
I’m not really an expert of education, I know really few about it. Few years ago I was invited to make a 3 days workshop in a school in Italy for a class of 6 years old children. That is my direct experience with education so far. I liked the initiative (inviting contemporary artists to work with young children) and in Italy it is quite rare. Anyway that kind of programs are just temporary, exceptional, and not really planned as parts of the “real/serious” study program. That creates also a lot of confusion, a bit because artists often are not prepared to deal with classes, you do not have that kind of formation if you studied in an art academy in Italy, and there is also a difficulty to agree on what we actually mean with “creativity”. I read some books in this regard, and often I check which are the educational programs offered by museums in relation to contemporary art exhibitions. The impression is that the main focus remains on “expression” and “experimentation”. Nothing bad about it, but a bit reductive. What I found more effective are interdisciplinary approaches, that you find at a more high level of education, like in specific university courses, initiated by individual professors.

Do you think that by challenging conventional views, art can truly make a change in the public's perception ?
No, I do not think that art alone can really change anything, there are always many factors needed to achieve a change. Contemporary art is mostly absent in the public perception, it is a small field that interests a minority of people in comparison with cinema, music or literature, therefore its effectiveness is proportional. I would rather say, that change happens, when the mainstream begins to adhere to alternative perspectives (perspectives initially suggested by art or literature or so...). But then the question remains: did it really change? Or it is just a way to deceive? 

What are your future plans and projects ?
One of the projects I'm working on is called "Imbiss", it is the (re)construction of models of kiosks (Imbiss in German) who occupied the void between the buildings of a square, Rosenthaler Platz, in the quarter Mitte of Berlin, a void now filled with a huge hotel. Actually the project is ready to be realized since a while, I will try to use the summer to realize it, finally.



The work of Rebecca Agnes is presented as a phenomenological description of the journey experience. It is a tangible phenomenology, which is expressed from within and not in an abstract way. The journey is a universal metaphor, certainly too overused in contemporary practices, but it is dealt with by the artist in all its simplicity, enabling us to understand and to think beyond the thought itself, with a view finally free from metaphysical qualms. The artist's project is an attempt to reach the other trying to remain open to plurality, but in reality is also an action to build an identity. A thought emerges fragile and responsible at the same time, being aware of its own weakness but not wanting to absolutise. We can identify three predominant concepts in its structure: the welcome, the otherness and uniqueness, intimately tied to the paradox inherent in the journey itself. Rebecca welcomed friends at her home in Berlin precisely since June 2008 to 30 March 2013, and asked them to draw pictures, write memories, feelings, impressions, messages in the guest book, about their stay and their experience in Berlin. These designs were then embroidered by hand, "punto erba/ blade of grass", and transposed in their uniqueness on cloth, an act of re-appropriation of the tracks to let them into her home. Subsequently, embroidery made up the installation which further used the contributions collected during the Sicilian stay. The line coincides the circle as a symbol of experiential circularity. This does not mean repetition, decision to make it identical, but possibility of the opening. Without being aware of me I cannot even give the other. Always the artist, she turns her research to the transformation of space, understood both in its physicality due to the location, and to her idea that forces us to relate to the habitat that surrounds us. The planning of Rebecca Agnes takes place through memory and leads us to remember not Socratic form, but rather the memory is used to explain the causality of real events experienced by the individual with particular attention to the social sphere, without neglecting the intimate,but starting right from it. Precisely the embroidery, the technique mostly used in the work takes us back to a practice that could be called mantra, and that encompasses most of the topics in the research of the artist: the relationship with everything that has been and that no longer exists, its development and implementation of contemporary vision and certainly the kind of reflection on the condition as such.

ITA // Il lavoro di Rebecca Agnes si presenta come una descrizione fenomenologica dell’esperienza del viaggio. Si tratta di una fenomenologia tangibile, che si esprime da dentro e non in modo astratto. Il viaggio è metafora universale, sicuramente troppo abusata nelle pratiche contemporanee, che però viene affrontata dall'artista in tutta la sua semplicità, permettendoci di cogliere e pensare al di là del pensiero stesso, in una prospettiva finalmente libera da remore metafisiche. Il progetto dell'artista è un tentativo di partire verso l'altro cercando di rimanere aperti alla pluralità, ma in realtà è anche un' azione volta a costruire un'identità. Emerge un pensiero allo stesso tempo fragile e responsabile, dato dalla consapevolezza della propria debolezza senza volerla assolutizzare. Si possono individuare nella sua struttura tre concetti predominanti: l'accoglienza, l'alterità e l'unicità, legati intimamente dalla paradossalità insita nel viaggio stesso. Rebecca accoglie degli amici nella sua casa di Berlino precisamente dal Giugno 2008 al 30 Marzo del 2013, e chiede loro di fare dei disegni, di scrivere ricordi, sensazioni, impressioni, messaggi nel Guest book, riguardanti il loro soggiorno e la loro esperienza berlinese. Questi disegni sono successivamente ricamati a mano, a filo d'erba, e trasposti nella loro unicità su stoffa, un atto di riappropriazione delle tracce da loro lasciate nella sua casa. Successivamente i ricami vanno a comporre l'installazione che si avvale ulteriormente dei contributi raccolti durante la residenza siciliana. Alla linea si fa coincidere il cerchio, come simbolo della circolarità esperienziale. Ciò non significa ripetitività, proponimento dell'identico, ma possibilità dell’apertura. Senza l’io non si dà neanche l’altro. Da sempre l'artista volge la sua ricerca alla trasformazione dello spazio, inteso sia nella sua fisicità riconducibile al luogo, sia alla sua idea che ci costringe a relazionarci con l'Habitat che ci circonda. La progettualità di Rebecca Agnes si attua attraverso la memoria, induce a ricordare non in forma maieutica, ma piuttosto il ricordo viene adoperato per spiegare la causalità degli avvenimenti reali vissuti dall'individuo con particolare attenzione alla sfera sociale, senza mai tralasciare l'intimo, anzi partendo proprio da esso. Per l'appunto il ricamo, la tecnica prevalentemente usata nell'opera ci riconduce ad una pratica che si potrebbe definire mantrica, e che racchiude in sé la maggior parte degli argomenti presenti nella ricerca dell'artista: il rapporto con tutto ciò che è stato e che non esiste più, la sua elaborazione e trasposizione in una visione contemporanea e sicuramente la riflessione sulla condizione di genere.


Chi è Rebecca Agnes? Raccontaci brevemente di te…
Le mie tag potrebbero essere: donna, bianca (white*), queer (**), (post-) femminista, artista. Sono nata a Pavia, una città immobile, molto chiusa, dove non succede mai nulla. Ho frequentato un istituto d’arte a Milano, città in cui mi sono poi trasferita per continuare gli studi all’Accademia di Belle Arti di Brera. Ho vissuto a Milano fino al 2006, anno in cui mi sono trasferita a Berlino. Inizialmente l’idea era di viverci per qualche mese soltanto, ma poi ci sono rimasta per motivi personali.

Link: white* Secondo la definizione di “Mythen, Masken und Subjekte” (Maureen Maisha Eggers et al.), la definizione bianco viene adottata come una categoria che descrive non la visibilità naturalmente data, ma la visibilità prodotta, interpretata e praticata. Altre info: http://en.wikipedia.org/wiki/Whiteness_studies /// queer ** http://it.wikipedia.org/wiki/Queer

Che musica ascolti? Qual è l’ultimo libro che hai letto? Chi sono gli artisti che ami?

Ascolto musica alternativa, un misto di gothic, brit-pop, new wave ed electro, per intenderci Diamanda Galas, The Cure, Joy Division, Kraftwerk, Einstürzende Neubauten, Nine Inch Nails, Plaid. L’ultimo libro che ho letto è “Opa war kein Nazi” (il nonno non era un nazista, traduzione del titolo mia), una ricerca su come la memoria del passato nazista è trattata in famiglia. Scrittori/scrittrici che influenzano il mio lavoro sono Italo Calvino, Jorge Luis Borges, P. K. Dick, J. G. Ballard, Haruki Murakami, Simone de Beauvoir, Judith Butler e P. P. Pasolini. Alcuni/e artisti/e: Alighiero e Boetti, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Fischli & Weiss, Andrea Zittel, Aya Takano, Rebecca Horn.

Come definisci il tuo lavoro?

Di matrice concettuale.

C’è stato un evento o un incontro in particolare che ha segnato una svolta nella tua ricerca?
Essermi formata artisticamente a Milano, aver vissuto per un breve periodo a Parigi, essere ora a Berlino ha influenzato la mia ricerca, ma ovviamente più che i luoghi sono le persone incontrate ad aprire nuove prospettive. Milano negli anni ’90 era una città aperta, in qualche modo eccessiva, magari edonista (con pro e contro), ma per quanto riguarda l’arte una “buona scuola”, ma estremamente individualista. A Berlino, anche per il fatto di aver vissuto in una Hausprojekt per più di un anno, l’orizzonte si è come ampliato. La distanza aiuta sempre a capire da dove si viene e a dargli un senso intellegibile.

Lavori con la parola intessendo una trama complessa che si risolve nel significato attraverso il significante e viceversa… non è così?

Molti dei miei lavori riguardano l’immaginario che si costruisce attorno alla letteratura e, viceversa, la realtà che si plasma sulla finzione, sul rapporto fra narrazione e reale e l’importanza di raccontare storie, perché quando un fatto non viene raccontato, registrato, è come se non fosse mai accaduto. La responsabilità di chi racconta è cruciale perché vi è implicito il potere del legittimare o negare un accadimento. Attorno a noi persistono mille storie inascoltate, negate, perché non hanno trovato una voce e magari non la troveranno mai. In questo trovo molto importante i lavori che nascono dalla collaborazione con altre persone. E’ un modo per ampliare il mio punto di vista, per approfondire la mia esperienza di singolo.

Come definiresti il panorama artistico siciliano?
Molti/e artisti/e con un lavoro valido (fra i/le quali che conosco personalmente Adalberto Abbate, Silvia Giambrone, /barbaragurrieri/group) e realtà interessanti come Zelle (con Federico Lupo), Bocs (con Gianluca Lombardo e Giuseppe Lana) e Passo. Da lontano è visibile una grande volontà a realizzare progetti e a cercare di proporre nuovi punti di vista più che altro per iniziativa di associazioni culturali e artisti/e appunto.

Che progetti hai per i prossimi mesi? A cosa stai lavorando?

Per rispondere a questa domanda parto da un lavoro che ho realizzato in precedenza, continuo con un’esperienza recente per concludere con un progetto futuro. Nel 2010 ho realizzato l’installazione “luoghi che non esistono più”, in pratica la ricostruzione di certi luoghi milanesi che sono stati un punto d’incontro di una certa generazione e di una specifica scena alternativa della città. Accanto ai modelli era presente una selezione di testimonianze, ricordi o brevi interviste, delle persone che hanno vissuto questi luoghi, in maggioranza reperiti in internet tramite blog o social forum. Una sorta di mappatura di una città che non esiste più se non nei ricordi di alcuni, e le cui tracce sono molto esigui nel web, perché precedenti alla digitalizzazione odierna. Questo autunno mi è stato chiesto da Art&Tours (www.artandtours.com) di ideare un tour alternativo a Berlino per la loro iniziativa “Walk with the artist”. Quello che ne è nato è “displaced monuments and disappeared places” (monumenti dislocati e luoghi scomparsi), una passeggiata-intervenzione alla ricerca delle tracce del passato recente della città, fra rimozione, dimenticanza e stratificazione nel quartiere Mitte. La passeggiata è iniziata da Rosenthalerplatz, uno dei luoghi che preferisco a Berlino, o meglio, che preferivo, perché la piazza che amavo non esiste più se non nella mia memoria. La piazza è sempre lì, ma è cambiata così tanto negli ultimi anni che è irriconoscibile. Uno dei progetti a cui sto lavorando è appunto “Imbiss”, si tratta della ricostruzione dei baracchini (Imbiss in tedesco) che occupavano il vuoto fra i palazzi della piazza (vuoto ora riempito da un enorme hotel). A parte il lavoro di artista, da poco tempo sono parte dell’associazione culturale 22:37 (22e37.wordpress.com). Con 22:37 presenteremo a metà Dicembre da CORPO 6 Gallery a Berlino il progetto “Out of Place_an ongoing archive” (Fuori Luogo_un archivio in progress) con il supporto di berlinerpool (www.berlinerpool.de).



The results of a study based on observation, analysis, and discovery that overcome the threshold of the real surface to creep into an artistic dimension is materialized into PLANETEN. It is a path on several levels, which, Rebecca Agnes, supported by her cultural visual and experiential background, passes through the physical and mental dimensions, developing a narrative aimed to evoke the connections between literature, science, personal and collective imagery. Since primitive society, the relationship between art and cosmos has been developed through allegories and symbolic forms, whose interpretation has been the primary source of inspiration for artists and writers. However, the demystifying strength of reason and progress has deprived objects and phenomena of their mythical aura, bringing the postmodern man to rely on a representation of the universe substantiated by scientific rationality. Planeten achieves a synthesis between subject matters that the dynamics of modernity have rendered irreconcilable. By using different expressive media, video and embroidery, the artist unveils an interesting analytic perspective that reconciles the prerequisites of science with those of literature. The works of Rebecca Agnes are physical and concrete, but also deceptive and illusory. They can be a depiction of abstract worlds inspired by literature or titles of sci-fi novels, or maps embroidered on canvas; they all reflect the impossibility of tracing an identikit of the universe by splitting the scientific discoveries from the multifaceted public imagination already consolidated by the narrative.

D // In PLANETEN überführt Rebecca Agnes eine Studie, die auf Beobachtung, Analyse und wissenschaftlicher Entdeckung basiert und deren Ergebnisse die Schwelle zwischen Realität und Vorstellung überschreiten in eine künstlerische Dimension. Es ist ein Weg auf mehreren Ebenen, den Rebecca Agnes durch physische und mentale Dimensionen hindurch beschreitet und dessen Ziel es ist, eine Erzählung zu entwickeln, die die Verbindungen zwischen Literatur, Wissenschaft und individueller und kollektiver Vorstellung evoziert. Seit dem Beginn der Existenz menschlicher Gesellschaften wird die Beziehung zwischen Kunst und Kosmos in symbolische Formen und Allegorien übersetzt. Diese zu interpretieren ist seit jeher die wichtigste Quelle der Inspiration für Küns_tlerinnen und Schriftste_llerinnen. Die entmystifizierende Kraft der Vernunft und des Fortschritts jedoch hat Objekte und Phänomene ihrer mythischen Aura beraubt. Die Repräsentation des Universums, der die Menschen der Postmoderne vertrauen, gründet auf wissenschaftlicher Rationalität. PLANETEN erreicht eine Synthese von thematischen Gegenständen, die mit den Dynamiken der Moderne unvereinbar wurden. Durch die Verwendung unterschiedlich wirkender Medien wie Video und Stickerei eröffnet die Künstlerin eine interessante analytische Perspektive, welche die Erfordernisse der Wissenschaft mit denen der Literatur in Einklang bringt. Die Arbeiten von Rebecca Agnes sind physisch und konkret und gleichzeitig illusorisch. Ob es sich dabei um die durch Science Fiction Literatur inspirierte Darstellung abstrakter Welten handelt oder um auf Leinwand gestickte Landkarten, indem sie den Blick auf die Untrennbarkeit der wissenschaftlichen Entdeckungen von den bereits mit den Erzählungen verbundenen vielfältigen Vorstellungen der Menschen richten, reflektieren alle diese Arbeiten die Unmöglichkeit ein Phantombild des Universums aufzuspüren.

ITA // Il risultato di uno studio fondato sull’osservazione, sull’analisi e sulla scoperta che supera la soglia della superficie reale per insinuarsi nella dimensione artistica, si concretizza in PLANETEN. Un percorso su piú livelli, quello di Rebecca Agnes che, supportata dal suo bagaglio culturale, visivo ed esperienziale, attraversa la dimensione fisica e quella mentale, elaborando una narrazione volta ad evocare i nessi tra letteratura, scienza, immaginario personale e collettivo. Il rapporto tra arte e cosmo si é sviluppato, fin dalle società primitive, attraverso forme simboliche ed allegorie la cui interpretazione é stata fonte primaria di ispirazione per artisti e scrittori. Tuttavia la forza demistificatrice della ragione e del progresso ha spogliato gli oggetti ed i fenomeni del loro alone mitico, portando l’uomo postmoderno ad avvalersi di una raffigurazione dell’universo suffragata dalla razionalità scientifica. Planeten realizza una sintesi tra campi che le dinamiche della modernità sembrano aver reso inconciliabili: mediante l’utilizzo di diversi mezzi espressivi - il video ed il ricamo - l’artista svela un’interessante prospettiva analitica che concilia le esigenze della scienza con quelle della letteratura. I lavori di Rebecca Agnes sono fisici e concreti, ma anche ingannevoli ed illusori. Che siano la rappresentazione di mondi astratti ripresi da opere letterarie o titoli di romanzi di fantascienza e mappe ricamati su tela, riflettono l’ impossibilità di tracciare un identikit dell’universo, separando le scoperte scientifiche dal variegato immaginario collettivo ormai consolidato dalla narrativa.



In una stanza vuota le pareti bianche sono attraversate da cinque file parallele di disegni di tratto differente. Sono stati realizzati nei giorni precedenti l’apertura della mostra da altrettante persone coinvolte da Rebecca Agnes. Cinque persone in una stanza che leggono un libro (2002) sono le tracce di libri letti trasposti in disegni, è un lavoro che testimonia uno scambio avvenuto fuori campo….Questo intervento, realizzato in occasione della mostra collettiva Lavori in corso curata da Roberto Pinto nel 2002, è un avvio destinato ad avere un ruolo significativo nel lavoro svolto successivamente dall’artista. Cinque persone in una stanza…. configura infatti una possibilità interessante dell’agire artistico, dove un risultato finale apparentemente semplice nasce da una pratica capace di tenere conto di una serie di elementi complessi. A questo proposito un primo punto di rilievo è dato dalla scelta di lavorare con il disegno. Da un lato, infatti, possiamo pensarlo come una forma espressiva elementare che comprende tanto i disegni dei bambini quanto gli scarabocchi realizzati durante una telefonata, dall’altra è un banco di prova dove secondo tradizione la capacità di un artista si mostra nella sua essenzialità. Rebecca Agnes abita la distanza tra questi due estremi: se da un lato esercita una regia rigorosa, allo stesso tempo accoglie ciò che viene dai suoi “collaboratori” senza avere il problema di ricondurre il risultato finale a uno stile univoco, o più precisamente, considerando la molteplicità come un aspetto che non solo va salvaguardato, ma è essenziale per la realizzazione del lavoro. La relazione con l’altro si gioca infatti a partire dalla fiducia che sia possibile dire qualcosa con un disegno (un racconto, un desiderio, un punto di vista), a prescindere dalla capacità tecnica. È infatti proprio nella tensione tra regia e perdita di controllo che questo lavoro prende una forma ogni volta sorprendente, una forma-dispositivo dove il lavoro appare come una conclusione provvisoria e non come l’esito di un processo terminato.

L’attitudine a stare in un processo aperto è presente anche in un lavoro realizzato nello stesso anno (Mappa), in occasione della mostra collettiva Mappe 02 da me curata presso la Saletta Comunale di San Pietro Terme. In quel caso l’artista sposta la sua attenzione dalla relazione con le persone alla relazione con i luoghi. Mappa è una carta geografica dove i luoghi presenti sono quelli che l’artista ha visitato di persona o quelli che provengono dall’immaginario storico o letterario, tutto il resto è assente. L’attenzione alla storia, alle storie, vere o frutto dell’immaginario, si amplia e si intreccia con la concretezza della geografia. In questo caso il procedere di Rebecca è solitario e, nella costruzione dell’immagine, la presenza nuova è il desiderio. Avere il mondo in mano è un privilegio per pochissimi, per pochi è un sogno, per la grande maggioranza è un’illusione. Di fatto ci accomuna il conoscere davvero i luoghi di cui abbiamo esperienza e il desiderio di poter andare altrove. È un desiderio che sbriciola i confini degli stati e non tiene conto di visti e passaporti, un desiderio dove la realtà e l’immaginario convivono fino a confondersi, sullo stesso piano. Anche Mappa contiene la possibilità di essere riveduto e aggiornato successivamente.

Ma è nella recente mostra personale tenuta da Rebecca Agnes in Viafarini nel 2004, che questo desiderio fantastico e concretissimo nello stesso tempo, convivono con l’apertura a un processo collettivo. I due lavori esposti in quell’occasione, Le città che ci aspettano e Hanging Garden, 2004. Sono infatti nuovamente il risultato di un dialogo con delle persone vicine che l’artista ha interpellato e coinvolto per arrivare insieme ad un risultato. Nel caso del lavoro dedicato alla città, Rebecca Agnes ha disegnato delle planimetrie in relazione ai tratti personali di ciascun interlocutore. In un secondo momento, ha mostrato loro il lavoro svolto chiedendo che fosse ampliato e completato. Diventano così visibili non solo le indicazioni generiche ma i desideri e le passioni di ognuno. Sono in definitiva dei ritratti/autoritratti – dove le singolarità degli individui dicono qualcosa a proposito della loro relazione con la città vissuta.  All’installazione dei disegni realizzati, in mostra ce n’era una in più aperta agli interventi dei visitatori, un invito concreto a proseguire in questo gioco di reciproco rispecchiamento, a dare spazio alle proprie passioni e ai propri desideri…. Scrive a proposito di questo lavoro Rebecca Agnes: “Ho tentato di progettare qualcosa fatto su misura per ognuna di queste dieci persone, ma allo stesso tempo la città era lo specchio in cui rifletterle, in cui rivederle in forma di “ritratto” concreto e della superficie, era un po' come la casa in cui si abita, o i vestiti che si indossano o i libri che si leggono. Il tutto occhieggiando al fatto che comunque queste città nascono dalla mia idea e visione che ho di queste dieci persone, e che è quindi tacciabile di imprecisione, manchevolezza oppure travisamenti e interpretazioni soggettive”. A proposito di Hanging Garden, un giardino pensile di alberi realizzati ancora una volta da diversi collaboratori interpellati a scegliere il proprio albero e a disegnarlo, è ancora la stessa artista che scrive: “Se da una parte è un tentativo di catalogazione delle varie specie di alberi, di enciclopedia delle mie relazioni, di antologia a sua volta sospesa fra rappresentazione del segno, dell’albero e dell’individualità che ha scelto l’albero, e che lo ha ricreato secondo il proprio personale codice”. La catalogazione iniziale, una cornice di partenza data, ancora una volta funziona come un dispositivo di cui all’inizio non è possibile prevedere gli esiti. Anche in questo caso l’artista aziona un processo potenzialmente infinito nato dalla convivenza di tante voci e tanti sguardi. Hanging Garden e le Città che aspettano nascono dalla condensazione di un flusso dinamico e ci mettono di fronte alla ricchezza che nasce dall’inclusione e dall’accoglienza delle diversità.


The Italian artist Rebecca Agnes recounts stories. In her works she invents fictional tales and unreal, but nevertheless infinitely possible places, and invites the viewer to participate in a journey into imaginary geographies. The language she uses to describe these worlds has a precise, almost scientific tone that recalls to the pages of old manuscripts.

The video A short trip onto the other side of the galaxy, where pods grow before falling on earth (2006) is, as its title suggests, a journey into an unknown planet to discover how the pods - kind of vegetable organisms – are born and grow. The world where the pods grow, is a sort of underwater submarine reign. Here, amoeba-like creatures settle in the pods, plants mature and flourish, spaceships and cities under geodesic glass domes suddenly appear. Here everything evolves and moves; all is unstable and precarious, so that we are always only treated to a short glance at what is happening. As in every world, there are rules: These are finely and minutely described in the light box series Galaxy,which accompanies the video. In these light boxes, all the species are analyzed and archived as if they were part of a botanical or ethnographic encyclopaedia. All their movements, differences, permutations, displacements and developments are catalogued; so that by observing and studying the light boxes we can understand how this world functions.

Rebecca Agnes uses different approaches to build up her stories. Città (Cities, 2003) consists of ten maps of unreal, hypothetical cities. They reflect the personality and the dreams of the ten people to whom these are maps dedicated and by whom they were inspired. Portraits through places, drawn with an architectural computer program. In a second phase the “owner” of each city intervenes by drawing directly on the map with a felt-pen whatever they felt was missing. In Mappa (Map, 2002) the geography of the world is subjected to a personal revision. Every place, city or continent where Rebecca Agnes has never been or that she has never had an experience of, is deleted from the map. The result is a fragmented but practised geography that reduces the world into a self-portrait, where the only places that remain are those which have been experienced directly, through Agnes’s own travels, or indirectly – through books, stories, film, dreams, or imagination. You couldn’t find, for instance, Sicily and Sardinia, but you can see the region of Uqbar narrated by Borges. Finally, stories are also narrated in Rebecca Agnes’s collaborative embroidery works. She asks friends to make up stories and fix them by drawing them on a white cloth that she later embroiders. Even if, in these cases, Agnes gives precise and careful instructions, the result remains – like in a scientific experiment – unknown until the very end. All these works are defined by Agnes’s slowly patient approach. Even when she uses a traditional medium such as embroidery, or an utterly modern one like a computer animation program, the same delicate and refined attitude towards narration and drawing can always be seen.


Come il Petit Prince della favola di Saint Exupery, i mondi ideali di Rebecca Agnes, villaggi a metà tra i desideri e la realtà, ci catapultano su pianeti irraggiungibili di disegni e ricami su larghe tele di lino, in una dimensione stellare al centro dell’universo. Le città che ci aspettano (2003) sono città fantastiche che si alimentano di frammenti reali e della nostra fantasia, abitate da “alieni” e da forme di vita immaginifiche. Come vorresti che fosse la tua città ideale? In occasione della sua prima personale in Italia, l’artista disegnava dieci planimetrie di città, ognuna pensata a immagine e somiglianza di una persona diversa; alle stesse persone, tutti amici o parenti, Agnes chiedeva poi di intervenire sulla “loro” città, con un disegno che aggiungesse qualsiasi particolare per loro indispensabile: un certo negozio, dei fiori, case o alberi. Nella stessa occasione, Agnes realizzava l’installazione Hanging Garden, un verdissimo giardino di alberi di carta sospesi a mezz’aria. L’installazione è un bosco di forme di vita a metà tra l’invenzione e la realtà, di specie prese in prestito dai manuali di botanica e disegnate ancora una volta da amici; una “enciclopedia delle mie relazioni” -come ammette l’artista, che cataloga le individualità, i desideri e le invenzioni. La pratica del disegno diventa per Agnes il mezzo dell’appropriazione dei desideri e delle fantasie altrui, un gesto attraverso il quale infondere vita alle immagini visionarie di un gruppo. In una dimensione atemporale, in luoghi sospesi e senza memoria, nascono le Storie della Ex Gea, realizzate in occasione di Assab One nel 2004, due anni dopo le Mappe che l’artista aveva realizzato già nel 2002. Case e navicelle spaziali spuntano come funghi da carte geografiche e planimetrie, arrivano in picchiata dalle galassie più irraggiungibili a invadere un’ex stamperia realmente esistita. I personaggi di queste storie si rincorrono su teli di lino bianco, ricami che si susseguono lungo un percorso narrativo fantascientifico; superfici bianchissime su cui si affastellano case, strade, astronavi e navicelle ricordano le “invenzioni” di Paul Noble, alleggerite dai centinaia di dettagli “fiamminghi” e che ricalcano piuttosto uno stile più marcatamente simile a un immaginario di tradizione letteraria: quello dei labirinti borgesiani, pur con rimandi alla letteratura di Ray Bradbury e Douglas Adams. “Sono arrivati molto tempo fa e mi hanno dimenticato su questo pianeta pesante / la cosa più difficile da accettare è la mia invisibilità / non ho nome perché il vostro linguaggio mi è estraneo”. Si tratta del testo che si legge su Ricamo III (2004) ma potrebbero anche essere le parole di “The Citizen of the Wrong Planet” uno dei personaggi che popolano il primo video realizzato da Agnes, Imploding Universes, No One Can See oltre che il primo lavoro realizzato con la collaborazione di JERMOZERO, che ha composto la musica anche del suo video successivo. La serie “Galaxy” (2005) si compone di nuovi dettagli Pop, nei disegni montati su light box e nel video A short trip on the other side of the galaxy, where pods groe before falling an eart  (2005): ennesimo viaggio infrastellare dove città sotto vetro sorgono ora su “funghi fluttuanti” ed è possibile, attraverso mappe dell’universo, individuare i movimenti planetari durante la fioritura dei “Pod”. L’opera trae nuovi spunti dalla tradizione fantascientifica di “Urania” aggiungendo questa volta una nota più insolita di derivazione manga e più direttamente dai lungometraggi di Hayao Miyazaki.



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